Театр Средневековья

 

Редакция автора от 30.XII.1999

В прежние времена граница между искусством и жизнью, также как и между различными видами искусства, была гораздо менее ярко выраженной, нежели сейчас. Отрыв искусства от жизни, иллюзии от реальности и есть результат Возрождения — и его успех, и его потеря. Картина начинает существовать как картина, которой неважно, насколько зритель верит в изображённое на ней — важно, что он этим может любоваться. Фрески, из средства создания особого сакрального мира церкви, тоже начинают цениться за их красоту. Средневековый театр как способ существования, в котором были задействованы все, превращается в зрелище.
Изменение отношений искусства и зрителя — вот глобальный процесс, который происходит во всех видах искусства.
Процесс проходил постепенно. Начало его — во флорентийских постановках Брунеллески.

Данилова И. «Брунеллески и Флоренция».

Категория пространства — одна из основных для понимания процессов, происходящих в то время. Именно вокруг флорентийских спектаклей возникает само понятие «театр пространства» — в конце этого процесса театр начинает пониматься как отдельное здание.
Оформление Брунеллески содержит в себе черты и старого и нового. Мадонна с архангелом — ещё от средневековой культуры. Но механизм появления и исчезновения источников света, движение взлетающих и опускающихся фигурок, вращение купола — это уже приметы новой культуры — культуры зрелища.
«Пространство» для представления остаётся здесь прежним — интерьер церкви, но способ его использования (подвижной, но единой реальности), применение механических приспособлений, сложность религиозной символики (дело происходит во время Флорентинского собора) — вот что поразило человека другой культуры — Авраамия Суздальского.
Пространство самой Флоренции меняется в XV-XVI веках. Город перестаёт жить как саморазвивающийся организм. Его облик меняется целенаправленными усилиями архитекторов (Брунеллески первый). Его пространство организуется в соответствии с разворачивающимися в нём зрелищами. Город сам становится гигантским задником театральной сцены для представлений различного рода. Улицы, по которым, например, проезжал герцог, украшались декорациями и архитектурными панно (стоящими одно за другим и создававшими иллюзию перспективы).
История итальянского театра Возрождения — это история становления новых, принципиально иных взаимоотношений с аудиторией. Причём, если даже подвизавшимся на этом поприще и казалось, что они реставрируют античную театральную модель, на самом деле создавалось нечто новое.
К 70-м гг. XV в. относятся первые попытки возвращения на сцену древнеримской комедии. Это были забавы учёных-гуманистов, которым соответствала и избранная аудитория, и избранные постановочные площадки — школы, дворцы, резиденции властей. Всё это было довольно скучно. Зрителей привлекали буффонные и танцевальные интермедии и роскошный постановочный аппарат (декорации, костюмы, машинерия) — то, что они были способны понять и принять. Они просто вынуждены были подчиниться тирании гуманистических вкусов, но со вполне средневековой атмосферой средневекового придворного праздника это зрелище дисгармонировало. Зато какие имена создателей учёных комедий — Ариосто, Макиавелли, Аретино, Джордано Бруно. Они бичевали пороки общества, но на представлениях во дворцах смеяться над собой никому не хотелось — те же гуманисты научили человека относиться к себе серьёзно. Да и театр был серьёзным и дорогим делом. На празднестве, организованном доном Джованни деи Медичи, была представлена пьеса с музыкой, которую смотрели, кроме знатных кавалеров, более 300 знатных дам. В этом спектакле было занято более 100 музыкантов и 1000 рабочих сцены (более 60000 скуди). Для спектакля во дворцах создаётся особая элитарная среда — и появляется занавес. Вообще занавес известен со времен Рафаэля — в Риме 1519 г.
Архитектурный образ театра в эту эпоху так и не сложился. Больше интересовались декорациями и постановочными эффектами. Но особенность театрального пространства была почувствована и оценена. Для художника и зрителя Возрождения сцена есть ожившее перспективное пространство картины.
Новый тип закрытого театра был создан в Италии на основе изучения античной театральной архитектуры. Принципиально в нём — разделение на сцену и зал. В прошлом осталась средневековая сцена с её домиками или педжентами — разрозненные картинки, которые сознание зрителя связывало воедино. (Тот же самый процесс, который происходил при восприятии фрескового ансамбля или большого алтарного образа). Средневековая сцена двухмерна — она развивается или вширь или вверх. Новая сцена начинает развиваться в глубину.
Единое трёхмерное сценическое пространство было в Италии осознано сначала художниками. Первые новые декорации для новых спектаклей были созданы уже в 1508 г. в Ферраре, в 1513 г. в Урбино, в 1514 г. в Риме. Процесс, как видим, повсеместный. За образец были приняты объяснения Витрувия (римский архитектор второй половины I века до н.э.)
Сцена делится на две части — просцениум и заднюю сцену. Актёры играют только на просцениуме. Задняя часть сцены не используется, потому что она имеет очень покатый пол, поднимающийся на одну девятую часть своей глубины. По обеим сторонам задней стены установлены перспективные декорации. Глубина сцены замыкается перспективно написанным задником. Для трагических сцен подходило изображение колонны, статуй и других царственнх предметов. Для комических сцен — частные здания с балконами и окнами. Для сатирических — сельский пейзаж.
Зрительный зал имел форму амфитеатра. Перед амфитеатром находилась орхестра с местами для знатных лиц. Первый ряд амфитеатра предоставлялся знатным дамам, дальше — по мере знатности.
Один из первых театров строит в 1580 году в Виченце величайший архитектро позднего Возрождения Палладио. Театр Олипико.
Сцена находится пока ещё ниже зрительного зала (первая ступень амфитеатра выше на 1,3 м). Амфитеатр противопоказан перспективе, которая предполагает одну точку зрения. С этим пытаются бороться. Театр Олимпико прорывается наружу — его просцениум отгорожен стеной с колоннадой, в которой имеются три двери. Через эти двери открывается вид на перспективную декорацию «идеального города». Здания в глубине сцены имеют в результате всего один метр высоты — актёры, естественно, не могут там ходить во избежание нарушения иллюзии перспективы. Все здания на улицах «идеального города» сооружены из дерева и оштукатурены — декорации в этом театре никогда не менялись — театр был предназначен исключительно для постановки трагедий. Сцена и зрители ещё не были окончательно разделены — в театре Возрождения, барокко и классицизма в зале не гасили свет.
Понятно, что принцип игры исключительно на просцениуме мог существовать до тех пор, пока актёру не надо было много двигаться. В конце XVI в., когда распространились сначала пасторальные драмы, а затем опера (первая опера «Дафна» Ринуччини и Пери была поставлена в 1594 г.), потребовалось освоение глубины сцены.
Чем больше использовалась глубина — тем менее подходящим оказывался амфитеатр. Теперь живописные декорации оформляли не только задник, но и боковые части сцены. Всё это даёт возможность и смены декораций во время спектакля.
Вслед за перестрокой сцены начались попытки и перестройки всего здания театра в целом. Начало этому положил придворный театр герцога Тосканского во дворце Уффицы во Флоренции (1585 г., арх. Буонталенти). Постепенно возникла идея многоярусного театра — первый ярусный театр построен в Венеции в 1637 г. Италия была самой передовой страной в области сценической техники и театральной архитектуры — именно отсюда распространяются по всей Европе новшества, главным образом через придворные театры разных стран.
Развитие театра приводит к отчуждению зрителя и исполнителя — рампа, занавес и т.д. Всё это ведёт к тому, что в конце концов возникает и профессиональный театр — и опять-таки в Италии.
Вплоть до середины XVI века в Италии не было профессионального театра — спектакли давались дилетантами. Исполнители-одиночки, гистрионы, существуют, но они не создали театра. Они оказались лишь составной частью появляющихся профессиональных трупп — появляющихся из исполнителей мистерий и литургических драм.
Часть любительских трупп становится сначала полупрофессиональными, а затем и профессиональными. При этом надо заметить, что женщины принимают в них участие с самого начала. Первые профессиональные труппы возникают на территории Венецианской республики и Феррарского герцогства. Сценарии для этих трупп создаются, как правило, силами самих актёров. Так возникает комедия дель арте.
Слово это говорит лишь о профессиональном характере труппы, так как commedia означает «театр», а arte — «профессию». То есть, точный перевод — «профессиональный театр». Название «комедия масок» более позднего происхождения.
Родовые свойства этого театра — реализм и сатира (связь с народным фарсом), маски — постоянный состав действующих лиц (наиболее популярные типы городских карнавалов), репертуар возник из переделок сюжетов комедий, которые заполнялись импровизированным словом.
Отсутствие драматургии с лихвой восполнялось импровизацией. Упоминания о комедии дель арте появляются непрерывно с середины 50-х гг. XVI в.
Понятие «маска» имеет здесь двойное значение. Вещественная маска из картона или клеёнки. Определённый социальный тип с устойчивыми чертами психики и поведения. Актёр не расставался со своей сценической маской в течение всей жизни.
Число масок очень велико — их более сотни, но большинство — лишь видоизменения нескольких основных. Основные маски: на севере (венецианские) — Панталоне, доктор, Бригелла и Арлекин; на юге (Неаполь) — Ковьелло, Пульчинелло, Скарамучча и Тарталья. Часто принимали участие в спектаклях Влюблённые, Капитан, Серветта (Фантеска).
Слуги (Дзанни и Серветта) — сатира и динамика. Дзанни — это бергамское и венецианское произношение имени Джованни — «Ванька». Вначале — крестьянские парни. Бригелла — умный дзанни, Арлекин — простоватый (Север). Пульчинелла — юг. Разноцветные заплаты на костюме. Во Франции Арлекин изменил свой характер — он стал изящным и злоязычным интриганом — тогда и заплатки превратились...
Господа (Панталоне, Доктор, Капитан, Тарталья) — буффонада. Панталоне — венецианский купец, скуповатый и любящий молоденьких девушек (до XVI века венецианский купец был героем). Доктор — болонский юрист, полуграмотный и полный уважения к себе. Капитан — испанская история, очень скоро сменившая итальянского капитана. Жажда «мирового господства», национальное чванство, бахвальство. Без маски. Тарталья — неаполитанская маска судьи, полицейского, нотариуса.
Влюблённые — лирика. Не носили масок. Современные модные костюмы. Литературный язык.
Каждая маска говорила на соответствующем диалекте.
Основу спектакля составляло искусство актёра. Они были виртуозами — «Пискарель, имея в руках стакан с вином и получив удар ногой в живот, падает навзничь, перекувыркивается, не пролив вина, встаёт и выпивает его». Но новые веяния сценографии проникли и сюда — декорация не менялась, но состояла из перспективного задника и боковых декораций.
Искусство это было популярно не только в Италии. Уже в 1571 году одна из трупп выступала при французском дворе. С тех пор гастроли во Франции на прекращались. Традиции комедии дель арте оказали влияние не только на французских актёров, но и на Мольера — впрочем, это история уже иного времени. Гастролировали итальянцы и в Испании, и в Англии, и в Германии, и даже в России (правда, на излёте традиции — в 1733, 1734 и 1735 гг.).
Удивительно — итальянский театр не создал шедевров драматургии, зато именно он утвердил сценическое творчество как особый род искусства. Возрождение в Италии закончилось, но возрождённый театр продолжал жить на территории других земель.
Возрождение (сколь ни спорен этот термин за пределами Италии) в разных странах Европы проявлялось по-разному. В Англии это был совершенно своеобразный процесс. Шуманистам здесь иногда отрубали головы (Томас Мор). В архитектуре продолжала господствовать готика, ставшая национальным стилем. Новая история живописи начинается лишь с Ганса Гольбейна Младшего, перебравшегося в Англию в 1532 году и импортировавшего северный вариант Возрождения. Но зато была область, в которой новые идеи сказались наиболее ярко, — это область театра. И связана эта вполне неожиданная история с именем Шекспира (1564-1616).
Откуда берутся гении — вопрос, не подлежащий обсуждению. Но вот откуда берутся сюжеты для них — иногда сказать можно. Один из ранних сюжетов Шекспира пришёл прямо из комедии дель арте. Здесь и влюблённые, и помогающая им служанка, и противодействующие им родители, и ситуация, когда влюблённую девушку пытаются выдать за другого — богатого и знатного, угодного отцу. Персонажи и сюжеты узнаваемы. Только заканчивается эта история не весёлым итальянским смехом, а английской трагедией.
В английской драматургии ещё до Шекспира сложился жанр «кровавой драмы», английская же литература породила и готический роман. Не знаю, как с фильмами ужасов — во всяком случае Хичкок англичанин по происхождению... Так вот, эта пьеса Шекспира называется «Ромео и Джульетта». Не стоит говорить здесь о победе старого над новым. Это — просто Англия. Это способ видеть мир. «Христианской трагедии не существует, ибо идея искупления несовместима с трагической безвыходностью» (К.Ясперс). Это — позднее Возрождение, когда человек не только почувствовал себя свободным от Бога, но и осознал своё трагическое одиночество в обезбоженном мире. «Распалась цепь времён» — трагическое одиночество свободы. Микельанджело в Италии осознал это в 30-х гг. XVI в. Шекспира в Англии «догнало» лет на 70 позже.
Театр в те времена был доступнее и действеннее, чем любая книга, написанная даже на понятном языке (проблема грамотности). И потому социальная роль театра была несоизмеримо выше нынешней. Театр часто использовался в утилитарных целях (Гамлет — мышеловка). Драматурги не скрывали своей политической ангажированности, актёры существовали на деньги придворных патронов. Театр действительно служит средством не только влияния на общественное мнение, но и формирования его.Это — общее положение. А конкретное — знаменательно, что в начале XVII века однотомник Шекспира, выпущенный после его смерти, был напечатан на лучшей бумаге и стоил дороже, чем Библия.

БАРТАШЕВИЧ «Устройство английского театра».

В средневековом городе театр — общественное предприятие, в Англии времени Возрождения — частное. Рано появляются предприниматели, предоставляющие театральное здание в наём труппе, дающие кредит на постановку и закабаляющие их. Не только актёров, но и драматургов.
Существовали и театры на паях — вопросы решали профессионалы (пайщиками были не все актёры).
Каждая труппа сотрудничала со своим драматургом (и в качестве режиссёра зачастую).
Местом для выступления служили банкетные залы, дворы гостиниц, площадки для травли медведей и петушиных боёв. Первое постоянное театральное здание было сооружено в 1576 г. и называлось «Театр».
В Лондоне начала XVI в. было три вида театров: придворный, частный и публичный.
Придворный — сначала перестраивался и украшался банкетный зал. В 1622 году был построен специальный «Банкетный дом», в 1632 — «Кокпит при дворе» — восьмиугольный.
Театры для широкой публики строились в Лондоне за пределами Сити — вне юрисдикции муниципалитета. Городские театры были двух типов. Вначале — публичные. Без крыши, часто — круглые с круглым или овальным залом, с 2-3 галереями вдоль стен. Ближе к сцене могли находиться 1-2 ложи, чистая публика устраивалась и на сцене на трёхногих табуреточках. Основная масса стояла в партере.
Сцена представляла собой помост приблизительно метровой высоты, вдающийся в зал. Из артистического помещения был вход под сцену, где имелся люк. Сцена делилась на переднюю, заднюю и верхнюю (балкон), ещё выше — «хижина» (во время представления над крышей вывешивался флаг).
Декораций было мало и они были примитивными. Чтобы помочь зрителям догадаться, о чём идёт речь, над сценой вывешивался плакат с названием пьесы, к колонне прикреплялась табличка с названием места действия (но публика была неграмотной), — отсюда необходимость пролога.
Поначалу спектакли проходили без антрактов, при дневном освещении, 2-2,5 ч. По окончании спектакля исполнялась джига.
Частный (приватный) театр — театр закрытый. И в прямом (под крышей), и в переносном смысле — дороже были спектакли, дороже были билеты, другая публика. Спектакли проходили при искусственном освещении факелов и свеч, декорации — богаче.
В годы расцвета английской драмы в Лондоне одновременно работало до шести театров. Труппа обычно состояла из 8-14 человек, женские роли исполнялись мужчинами, девичьи — мальчиками. Всё в этом театре было грандиозным: злодейство — без меры, смех — гомерический. Всё в нём было ярким, доводилось до крайностей. Не было резкой грани между сценой и зрительным залом. Обязательной принадлежностью труппы были шуты. Это было поистине народное зрелище.
В годы английской буржуазной революции (1642-1660) театральная жизнь совершенно прекратилась, а театр, который возник позднее, был совсем уже другим театром. Всё хорошее имеет своё начало и конец.